jueves, 3 de junio de 2010

actividad - redacion sobre las diferentes epocas

regaetoon

el genero se llam regaetoon que surgio hace poco

es un estilo agradable que que relaja alas personas y expresan hacia las

otras personas se presume que es la tiraera .

cuantos regetoneros existen el el mundo ?

cual es el que mas te gusta ?

por que te gusta el regaetoon ?

la mayor parte de reguetoneros bienen de panama se presume que el primero que inicio el regaetoon fue tempo y el produce la tiraera y como la tiraera era hablar sobre las personas

su genero fue dirigido asia la politica

y lo encarcelaron.

en tre ella puede ser daddy yankee, don omar, wisin y yandel , arcangel,franco el gorila , tito elbambino , etc.

entre uno de los mejores reguetoneros se puede decir que causa polemica es

wisin y yandel que ha hecho duo con varios personas populares.

el regaetoon es un tema que relaja el autoestima.

a la mayor parte de las personas tienen distintos gustos musicales depende de la epoca en que smpeso a surgir diferentes temas como los 60s 80s y otras y como seva generando la musica cadaquein se adacta a su entorno musical

video del clasicismo

video

Linea del tiempo


Juan de Araujo


Juan de Araujo (Villafranca, España 1646Sucre, Bolivia, 1712) fue un músico y compositor del Barroco americano, período también conocido como música virreinal americana.
Alrededor de 1670 fue nombrado
maestro de capilla en la Catedral de Lima. Posteriormente viaja a Panamá y probablemente a Guatemala. De vuelta en Perú, es contratado como maestro de capilla de la Catedral de Cuzco, y en 1680 de la Catedral de Sucre, donde permanece hasta su muerte.En el archivo de la Catedral de Sucre se conservan la mayoría de sus obras conocidas, de estilo religioso o profano, con un total de más de 150 piezas musicales.
Araujo sobresale por el tratamiento policoral de sus obras, su textura contrapuntística, la vivacidad de sus ritmos y una fértil imaginación melódica. Junto a
Domenico Zipoli, Tomás de Torrejón y Velasco, Roque Ceruti y José de Orejón y Aparicio, es uno de los compositores más importantes de la época virreinal en América del Sur.

Manuel de sumaya


Manuel de Sumaya o Manuel de Zumaya (Ciudad de México, 1678Oaxaca, 1755), fue un compositor, organista y director de coro mexicano, que suele ser considerado el representante más prolijo del barroco musical en el continente americano y posiblemente el más famoso de entre los compositores mexicanos del periodo colonial de Nueva España. Fue autor de la primera ópera mexicana, La Parténope (1711) con un libreto que luego utilizaría en 1730 Georg Friedrich Händel para una ópera del mismo nombre.
Contenido.

Organista, compositor y director de coro, fue maestro de capilla de la Catedral de México desde 1715, en sustitución de Antonio de Salazar,siendo uno de los primeros criollos en ocupar este puesto. En 1738 pasó a ocupar el magisterio de la capilla musical de la Catedral de Oaxaca, siguiendo al Obispo Tomás Montaño, con el que había desarrollado gran amistad y contra las enérgicas y continuadas protestas del Cabildo de la Catedral de México, que pedía que se quedase.
Allí residirá hasta su fallecimiento el 21 de Diciembre de 1755.

Sus obras denotan multiplicidad de estilo.Se le considera maestro tanto del antiguo estilo renacentista como del Barroco.
En 1711, el nuevo Virrey, Don
Fernando de Alencastre Noroña y Silva, Duque de Linares, gran aficionado a la ópera italiana, encarga a Sumaya la traducción de libretos italianos y la composición de nueva música para los mismos. El libreto de la primera obra compuesta La Parténope,se conserva en la Biblioteca Nacional de México,aunque la parte musical se ha perdido.
En 1715 compone, para la oposición al puesto de Maestro de Capilla de la
Catedral de México, la "Sol-Fa de Pedro".
Otra de las composiciones más conocidas de Sumaya,Celebren Publiquen, muestra su manejo del sonido policoral propio del Barroco primitivo: con su distribución de los recursos vocales en dos coros de distinto tamaño,copia el estilo de las escuelas corales Española y Mexicana de principios del S.XVIII. Las ricas texturas vocales y las elaboradas partes instrumentales reflejan el estilo "moderno" de Zumaya,alejándose radicalmente de sus anacrónicas composiciones renacentistas.
Compuso, asimismo, numerosas lamentaciones,
villancicos, himnos, salmos y otras obras religiosas, así como también El Rodrigo (1708), clasificada como "melodrama" y que podría ser en realidad una ópera o una zarzuela sobre la leyenda del rey Don Rodrigo.
Su redescubrimiento se debe en buena parte a la obra musicológica de
Robert Stevenson y Aurelio Tello, en la segunda mitad del siglo XX, con lo cual se han editado y grabado muchas de sus obras.

Ignacio de Jerusalen y estella


En 1732 deja Italia y se instala en Cádiz para trabajar en el Coliseo (teatro) de aquella ciudad. En 1742 José Cárdenas, del Real Tribunal de Cuentas, lo contrata en España junto con otros músicos y cantantes destinados a cumplir sus servicios en México.
Llega a la capital de la Nueva España en 1742 para desempeñarse como violinista y director musical del Coliseo de México. Comienza a componer obras para la Catedral de México desde 1746, y en 1749 lo contratan como maestro de capilla interino en la Catedral de México. Al año siguiente lo nombran maestro titular de la misma, cargo que ejerció hasta su muerte en el año
1769.
El investigador Annibale Enrico Cetrangolo afirma que en los archivos de la Curía Arcivescovile de Lecce se halla el acta de bautismo de Ignatius, Dominicus, Orontius, Joseph Pascali Jerusalem, fechada el 3 de junio de 1707. De acuerdo con ese documento sus padres fueron Matteo, hijo de Francesco Jerusalem, y Anna Curzio (o Stella), hija de Vincenzo.
El padre de Ignazio, Matteo Jerusalem, nació en Nápoles en 1667 y pasó a Lecce en 1689, al servicio de Don Gabriel Augustín Erriquez (o Enriquez), Príncipe de Squinzano, Campi Salentina y Salice, como "musico di scuola" en Campi y "maestro di Cappella" en la Iglesia de los Jesuitas de Lecce.
Matteo, según las actas estudiadas, además de Ignazio, tuvo otros 11 hijos con Anna Curzio (o Stella) y uno más con Giustina Stefanelli (al parecer su primera esposa). Los padrinos de los hijos de Matteo pertenecían a la aristocracia de Lecce y de Terra d'Otranto: los Lubelli, los Tafuro, los Belli, los Enriquez, los Greco, los Personè. Anna Curzio , la madre de Ignazio Jerusalem (o Gerusalemme), era hija del napolitano Vincenzo, quien fue maestro di cappella en Lecce. Es de notar la curiosa ambigüedad en los documentos de la designación del apellido de Vincenzo y de su hija Anna, quienes figuran a veces como Stella y otras como Curzio.
Como maestro de capilla, Ignacio de Jerusalem fue precedido por
Domingo Dutra y Andrade (1741-1750) y sucedido por Mateo Tollis della Rocca (1769-1780).

Francisco Lopez Capillas


Durante el siglo XVI y la primera parte del XVII, los compositores más importantes de América eran originarios de la península ibérica, en el viejo continente. En aquella época los maestros de capilla eran europeos de nacimiento, aunque hubieran escrito la mayor parte de su obra en el nuevo continente; este es el caso, por ejemplo, de Hernando Franco, Gaspar Fernandes y Juan Gutiérrez de Padilla.
.....En el siglo XX, cuando se comenzó a estudiar la música de las catedrales de América, se consideró a Francisco López Capillas como un hábil compositor de suma importancia en el siglo XVII. Este personaje fue maestro de capilla de la
Catedral de México entre 1654 y 1674 y originalmente se supuso que había nacido en algún punto de Europa. En 1977, el investigador Robert Stevenson anunció el descubrimiento del testamento de López Capillas, documento en el que se reveló que el insigne compositor había nacido en la Ciudad de México.
.....En este artículo podrás conocer un poco de la vida de López Capillas, primer maestro de capilla de la Catedral de México nacido en Nueva España, y podrás escuchar fragmentos de una obra suya: Alleluia. Dic nobis Maria.

Francisco López, maestro de capilla
No tenemos el dato de cuándo nació Francisco López Capillas, pero debe haber sido entre 1606 y 1608. Tenemos el registro de un tal Francisco López que obtuvo el grado de Bachiller en Teología en la Real y Pontificia Universidad de México; suponemos que corresponde a Francisco López Capillas, quien firmaba como Francisco López hasta que llegó al puesto de maestro de capilla de la Catedral de México.
.....Sabemos, ahora sí de cierto, que en 1641 nuestro Francisco López obtuvo el importante puesto de organista de la Catedral de Puebla. Además del órgano, debía tocar el bajón (un instrumento parecido al fagot) según le mandara el maestro de capilla, que por aquel entonces era
Juan Gutiérrez de Padilla. Francisco López renunció a su puesto en 1648.

George Frederic


Cuatro semanas antes que Juan Sebastián Bach, el lunes 21 de febrero de 1685, nació en Halle-an-der-Salle, Jorge Federico Händel. Desde pequeño dio muestras de poseer facultades musicales. Una anécdota dice que, en el granero de la casa donde vivía, estaba arrumbado un viejo clavecín: durante la noche se escuchaban sonidos armoniosos que se atribuían a un duende travieso. Pero un día, los moradores de la casa, decididos a aclarar el misterio, se proveyeron de una lámpara y de sendos garrotes, y se encaminaron hacia el granero: abrieron la puerta de improviso y, ante el sombro general, descubrieron que el duende travieso no era otro que el pequeño Jorge Federico quien, venciendo el temor a la soledad y la obscuridad, dejaba su lecho para ir a recrearse en el abandonado instrumento. No obstante sus dotes musicales, su padre, que era barbero y cirujano de la corte, pensaba destinarlo al estudio de Derecho, y sólo a instancias del príncipe de Sajonia, accedió a dedicarlo a la música.
En 1696 visitó Berlín; al año siguiente falleció su padre. El 10 de febrero de 1702, se inscribió en la Universidad de Halle, pero el 13 de marzo de este mismo año ocupó el puesto de organista en la Domkirche, dedicándose exclusivamente a la música. En 1703 se fue a Hamburgo, participando en la orquesta de este lugar como violín segundo; acompañado de Matheson hizo un viaje a Lübeck para escuchar el organista Buxtehude. En 1704 compuso la "Pasión según San Juan"; tuvo un duelo a espada con Matheson, en el que estuvo a punto de perder la vida, salvándose gracias a que la punta de la espada de su enemigo se rompió al chocar con un botón de la casaca. Inmediatamente se reconciliaron y juntos participaron en los ensayos de "Almira", la primera ópera de Händel, que fue estrenada con éxito el 8 de enero de 1705; a ella sucedió la ópera "Nerón", representada en febrero del mismo año.
En 1706 emprende un viaje a Italia. En Florencia estrena su ópera "Lucrecia", que se dice que fue escrita para una dama que reveló a Handel no solamente la belleza del canto, sino también los encantos de las italianas. Llegó a Roma al año siguiente, admirando en toda su grandeza el canto de la Iglesia Católica. De regreso a Florencia hizo representar su ópera "Rodrigo" que le reportó, además de un gran triunfo, el favor del Gran Duque y de la cantante Victoria Tarquini. Entonces fue a Venecia, considerada en aquella época como la metrópoli musical de Italia, y que poseía quince teatros de ópera: allí conoció al príncipe de Hannover, Ernesto Augusto, y al duque de Manchester, embajador de Inglaterra, que lo animaría a hacer un viaje a este país y más tarde a radicarse en Londres.
Con una gran popularidad vuelve a Roma en 1708, y el marqués Rúspoli lo relaciona con lo mejor de la aristocracia y de la intelectualidad: allí, en la llamada "Academia de la Arcadia", conoció a los futuros Pontífices, Clemente XI, Inocencio XIII, Clemente XII y Benito XIII, a muchos cardenales, a los príncipes de Baviera y Portugal, a la reina de Polonia, a la Gran Duquesa de Toscana; y entre los músicos, a Alejandro Scarlatti, (con cuyo hijo Domingo cultivó una gran amistad), Arcangelo Corelli, Bernardo Paquini, etc. Se cuenta que en una de las reuniones de la Academia, el poeta Zappi hizo, en verso, un elogio de Handel quien, divirtiéndose a sí mismo y a los demás, le puso música inmediatamente y posiblemente lo cantó. En esta época compuso "Las Cantatas Italianas" que se popularizaron rápidamente (una de ellas, "Armida Abandonada", fue copiada por Juan Sebastián Bach), y los oratorios "La Resurrección" y "El triunfo de Apolo". En ese mismo año se fue a Nápoles, en donde recibió el nombramiento de primer organista de la Capilla Real, y más tarde el de director, (1709); también fue designado maestro en el Conservatorio de los "Poveri di Gesu Cristo". Dejando Nápoles representó en Venecia su ópera "Agrippina" que fue cálidamente aplaudida y elogiada.
En 1710 fue nombrado maestro de capilla de Hannover, pero su inquietud lo obligó a pedir una licencia para ir a Londres, donde fue presentado a la reina Ana. De inmediato se le encargó la composición de una ópera, "Rinaldo", que estuvo terminada en catorce días y llevada a escena el 14 de febrero de 1711, con gran éxito. De regreso a Hannover escribió sus conciertos para oboe, sonatas para flauta, lieder y Cantatas alemanas con poesías de Brakes.
En 1712 vuelve a Inglaterra, representa "Il pastor Fido", y en diciembre de ese mismo año compone, en pocos días, la ópera "Teseo" que fue estrenada en enero de 1713. Con motivo de la paz de Utrecht escribió un "Te Deum" y para festejar el aniversario del natalicio de la reina Ana compuso una "Oda". Entonces la propia soberana le encargo un "Te Deum" y un "Jubilate", que fueron ejecutados el 7 de julio, consiguiendo, por estas circunstancias, ser considerado como compositor de la corte, no obstante estar prohibido que un extranjero escribiese música para actos oficiales. Handel ponía, en esta forma, los cimientos de lo que sería su arraigo definitivo en Inglaterra y renunció a su cargo de Hannover.
Pero en 1714 murió la reina Ana y para sucederle fue designado nada menos que Eduardo de Hannover, con quien Handel estaba distanciado; emprende entonces una lucha para conquistar el favor real: aquí encaja la leyenda de que su "Música Acuática" fue escrita precisamente con ese objeto: lo verdadero es que Handel volvió a gozar de privilegios y fue nombrado maestro de capilla de Hannover, lugar a donde acompañó al rey en el mes de julio de 1716. Después escribió unos Salmos (Anthems) para el duque de Chandós, la mascarada "Aman y Mardoqueo" y "Acis y Galatea".
En 1720 toma la dirección de la "Academia de la Opera Italiana" y comienza una nueva fase de su vida, como empresario, desarrolla una actividad llena de dinamismo, inmune al cansancio, al desaliento y a la adversidad; desbarata intrigas, lucha con "castrados", "prima donne" (entre ellas la famosa Faustina y la Cuzzoni, poseedoras de una prodigiosa técnica vocal), todo ello sin dejar de componer con asombrosa rapidez, calidad y maestría. Inauguró el teatro el 20 de abril con su ópera "Radamisto", dedicada al rey. Se le opone al compositor Giovanni Bononcini y se ve obligado a escribir una ópera en colaboración , "Muzio Scevola", cuyo primer acto compuso un músico illamado Pippo, el segundo Bononcini y el tercero Handel: los honores del triunfo correspondieron al compositor italiano, hasta que el propio Handel tomo el desquite con su ópera "Ottone" a la que siguieron "Julio César", (1724), "Tamerlán", "Rodelinda", "Escipión", (1725).
En 1726 sucedió en la escena algo totalmente imprevisto: en la ópera "Alejandro" las dos cantantes antes nombradas representaban los papeles de las amantes del gran conquistador, pero su rivalidad se exasperó a tal grado que, no pudiendo contenerse, se tomaron de los cabellos y sostuvieron una violenta riña, en medio del regocijo y la gritería del auditorio presidido por la princesa de Gales. Se dice que Handel no predio la serenidad, antes al contrario, animaba a las contendientes con sonoros redobles de timbales al mismo tiempo que decía: "Dejadlas. Cuando estén cansadas su furor caerá por sí solo". Siempre activo, escribe las óperas "Ricardo II", dedicada al rey Jorge II, (a quien también dedicó sus "Coronation Anthems"), Siroe, Ptolomeo y Admeto, que fue la última obra representada en la Academia, la cual se vio obligada a cerrar sus puertas en condiciones de derrota.
Entonces Handel emprende un viaje a Italia en busca de nuevos elementos: este viaje duró casi un año y regresó con cantantes, libretos y partituras italianas. Pone en escena "Lotario", "Parténope", repite "Acis y Galatea" con coros, "Ezio", "Orlando", "Deborah" y "Athalia". Sus rivales musicales fueron Pórpora y Hasse.
En 1734 inaugura una temporada en el Covent Garden con la ópera-ballet "Terpsicore". Sostiene luchas tremendas, hasta que la noche del 12 al 13 de abril sufrió un ataque de parálisis, su empresa quebró, su estado general era deplorable. Estaba afectado del costado derecho con el cerebro lesionado y con la mano derecha paralizada. Su depresión era tan grande, acosado por las deudas y el sufrimiento, que se negaba a curarse; al fin, algunos de sus amigos consiguieron mandarlo a las termas de Aix-Chapelle: se recuperó como de milagro y, dice uno de sus biógrafos, "de inmediato el gigante resucitado reanudó su lucha". Se entrega al trabajo con febril dedicación, el 15 de noviembre comienza "Faramondo"; del 7 al 17 de diciembre escribe para los funerales de la reina el "Funeral Anthem"; el 24 termina "Faramondo" y el 25 principió "Serse". Pero las contrariedades no cesan: sus acreedores lo amenazan con meterlo a la cárcel y para solventar sus más apremiantes cuentas se ve obligado a aceptar un Concerto de Beneficio (mayo de 1728), con una gran tristeza. Pero al mes siguiente recibe el reconocimiento público en los jardines del Vaux-Hall, sobre el Támesis, lugar de cita de la sociedad de Londres, donde se le levanta una estatua.
En 1741, combatido y desalentado, decide alejarse de Inglaterra. El Lord-teniente de Irlanda lo invitó a dirigir unos conciertos en Dublín, y Handel "con el objeto de ofrecer a esa generosa nación algo nuevo" compuso, del 23 de agosto al 14 de septiembre, su extraordinario Oratorio "El Mesías", que fue estrenado el 12 de abril de 1742. Hay que hacer notar que Handel se entregó a la composición de esta obra con un afán desmesurado, dormía y comía apenas lo indispensable y todo su atención estaba dedicada a ella. El éxito lo acompaño desde su primera audición.
Su actividad no conocía reposo, escribe sucesivamente "Sansón", "Semele", el "Deltinger Te Deum", para celebrar las victorias del duque de Cumberland sobre los franceses, "José", "Baltazar" y la tragedia "Heraklés". Pero en 1745 nuevamente estuvo al borde de la ruina y cayó en una postración semejante a la de 1734 que le duró ocho meses. Un acontecimiento inesperado le levantó el ánimo, el pretendiente al trono, Carlos Eduardo, desembarcó en Irlanda todo el país se sublevó y el ejército de Highlanders marchó sobre Londres. La capital se consternó, pero Handel se unió a sus habitantes.
El 14 de noviembre, en el Drury Lane, hace cantar un "Himno para los enrolados voluntariamente". Escribió el "Oratorio ocasional", en el que invitaba a los ingleses a luchar contra el invasor; y "Judas Macabeo", escrito entre el 9 de julio y el 11 de agosto de 1746, es como el "Himno a la Victoria" hecho para festejar el triunfo del duque de Cumberland. A esta obra se asocia una feliz circunstancia: Handel se había convertido en el músico nacional de Inglaterra y así es proclamado. A partir de ese momento no conocerá más preocupaciones materiales: reanuda su creación con "Alejandro Balus", "Joshuá". "Salomón", "Susana", "Música para fuegos de artificio", etc.
En 1750 hace un viaje a su tierra natal: Halle. Allí se hallaba cuando recibió la noticia de la muerte de su gran contemporáneo Juan Sebastián Bach. 1751 es un año malo para Handel. Había iniciado la composición de "Japhta" y escribió el primer acto en trece días; once días más tarde llegó a la penúltima escena del segundo acto, pero allí tuvo que suspenderlo, al comenzar el Coro final "Cuán sombríos, oh Señor, son tus designios", se vio obligado a detenerse y anota: "He llegado aquí el miércoles 13 de febrero; impedido de continuar a causa de mi visión de mi ojo izquierdo". El 30 de agosto había perdido la vista. Escribió "Eclipse total. El mundo se ha borrado". Operado tres veces de cataratas, la última vez en noviembre en 1752, Handel estaba absolutamente ciego. El silencio sobreviene.
El 6 de abril de 1759 aún tenía fuerzas para prestarse a tocar la parte de órgano de "El Mesías", pero sufre un desmayo a la mitad de la ejecución. Murió el sábado Santo 14 de abril de ese mismo año. El día once había escrito: "Quisiera morir en Viernes Santo, en la esperanza de reunirme a Dios, mi dulce Señor y Salvador, el día de su Resurrección".
Fue enterrado en la abadía de Westminster el 20 de abril de 1759.

Antonio Vivaldi


Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741) fue un compositor y músico del Barroco tardío, uno de los pináculos del Barroco, de la música occidental y de la música universal, su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto el más importante de su época.
Era apodado il prete rosso ("el cura rojo") por ser sacerdote (católico) y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido a nivel popular por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, forma parte del ciclo de su opus 8 "Il cimento dell'armonia e dell'inventione", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del Concerto Solli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el Concerto Solli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de la armonía.
Sin embargo, Las cuatro estaciones son un concierto para violín en el que la orquesta no actúa como mero fondo de acompañamiento, sino como un relieve: no se limita a acompañar al solista, sino que ayuda al desarrollo de la obra. Esto influirá posteriormente en los conciertos de Händel y, sobre todo, de Bach, ya que Bach estudiaría asiduamente los conciertos de Vivaldi, y sería a partir de las innovaciones originales de Vivaldi que Bach perfeccionaría el concepto de concierto. De esta manera, con la forma musical de los Concerto Solli se lograría definir de manera definitiva lo que podría llamarse el concierto para instrumento solista moderno, estableciéndose un equilibrio perfecto entre solista y orquesta, sin que el concierto llegue al extremo de tener que ser considerado un Concerto Grosso, en el se establece un diálogo entre orquesta y solistas de manera que los papeles de solista y acompañante se intercambian entre un pequeño grupo de intrumentos (el concertino, a veces un único instrumento) que actúa usualmente de solista, y la orquesta (el ripieno). Llegar a este punto sin embargo fue un proceso que condujo de Arcangello Corelli y Giuseppe Torelli a los ciclos donde podría decirse Vivaldi experimenta con este género instrumental. Cabe destacar por ejemplo el ciclo del Opus 3, donde se percibe un gran dominio en su concepto de concerto grosso y concerto con soli, donde los más conocidos son el Opus 3 N6 en la menor y el Opus3 N11 en re menor, donde se presenta un maravilloso ejemplo de fuga a cuatro voces (2 violines, viola, violonchelo y continuo). Así, Las cuatro estaciones representan el Concerto Solli perfecto, a tal grado que influye notablemente la música de Johann Sebastian Bach, y ésta inexorablemente en Haydn; y Haydn, a su vez, al convertirse en maestro de, entre otros, Mozart y Beethoven, extiende la influencia de Vivaldi a más músicos sin que, probablemente, hubieran conocido la obra de Vivaldi.

Johann Sebastian Bach


Johann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un organista y compositor alemán de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados).
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental, epicentro de la música occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal, no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto, y su máximo exponente, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.
Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites orquestales.

miércoles, 2 de junio de 2010

Henry purcell


Henry Purcell fue un compositor británico del Barroco.
Nació el
10 de septiembre de 1659 en St Ann's Lane, Old Pye Street (Westminster) y falleció el 21 de noviembre de 1695 en Dean's Yard (Westminster).
Esta considerado el mejor compositor
inglés de todos los tiempos Purcell incorporó elementos estilísticos franceses e italianos, generando un estilo propio inglés de música barroca.


Purcell nació en el condado de St. Anne, Westminster. Su padre, también de nombre Henry Purcell, fue caballero de la Capilla Real, y cantó en la coronación del Rey Carlos II de Inglaterra. Fue el mayor de tres hermanos, de los cuales el menor Daniel Purcell (fallecido en 1717), fue igualmente un prolífico compositor.
Luego de la muerte de su hijo, en
1664, Henry Purcell quedó bajo la tutoría de su tío Thomas Púrcell (muerto en 1682), quien mostró por él afecto y cariño. Thomas era asimismo caballero de la Capilla del Rey y gestionó la admisión de Henry como miembro del coro. Henry estudió primero con Henry Cooke, maestro de los niños, y luego con Pelham Humfrey, sucesor de Cooke.
Se dice que Purcell comenzó a componer a los 9 años de edad, pero la primera obra que puede ser identificada con certeza como de su autoría es la Oda para el cumpleaños del rey escrita en
1670 (Las fechas de sus composiciones son a menudo inciertas, a pesar de la considerable investigación).
Después de la muerte de Humfrey, Purcell continuó sus estudios con el Dr.
John Blow, mientras asistía a la Escuela de Westminster. En 1676 fue nombrado ayudante organista de la Abadía de Westminster y compuso obras como Aureng-Zebe, Epsom Wells y La libertina.
En
1677 compuso la música para la tragedia de Aphra Behn Abdelazar y en 1678 una obertura y mascarada para la nueva versión de Shadwell sobre Timon de Atenas (de Shakespeare). El coro de La libertina «In These Delightfull Pleasant Groves» se interpreta frecuentemente.
En
1675 escribió varias canciones para Aires, canciones y diálogos elegidos (de John Playford) y también un himno de nombre actualmente desconocido para la Capilla Real. A través de una carta escrita por Thomas Purcell, sabemos que el himno fue escrito para la excepcional voz del reverendo John Gostling, entonces en Canterbury, pero posteriormente Caballero de la Capilla del Rey. Purcell escribió muchos himnos en diferentes momentos para esta extraordinaria voz, un bajo profundo, que se sabe tenía una tesitura de al menos dos octavas completas, desde re2 hasta re4.
Se conocen datos de unos pocos de estos himnos; quizás el más notable ejemplo es They that go down to the sea in ships, compuesto en agradecimiento por un providencial salvamento de un naufragio sufrido por el rey. Gostling, que acompañaba en la oportunidad al rey, reunió varios versos de los
Salmos en forma de himno, y le pidió a Purcell que compusiera la música. La obra resulta todavía hoy de una interpretación muy difícil, incluyendo un pasaje que atraviesa toda la tesitura de la voz de Gotling.
En
1680, Blow, organista de la Abadía de Westminster desde 1669, resignó su cargo en favor de Henry Purcell, quien a esa fecha tenía 22 años.
Purcell entonces se dedicó enteramente a la composición de música sacra, y por seis años restringió su conexión con el
teatro. Sin embargo, durante la primera parte de aquel año, probablemente antes de asumir el cargo, produjo dos importantes trabajos para las tablas: la música para Teodosio (de Nathaniel Lee), y para Esposa virtuosa (de Thomas D'Urfey).
También se atribuye a este periodo la composición de la ópera
Dido y Eneas, que constituye un importante hito en la historia de la música dramática inglesa con la famosa aria el Lamento de Dido, así como la desarrolladísima semiópera The Fairy Queen (La reina de las hadas).
Dido y Eneas fue escrita según un libreto de Nathum Tate, quien lo desarrolló a petición de Josiah Priest, profesor de baile que también dirigía una escuela de señoritas, primero en Leicester y luego en Chelsea, donde la ópera fue estrenada. Dido y Eneas es considerada la primera ópera genuinamente inglesa.
El catálogo de Henry Purcell comprende un total de 860 obras, siendo las más destacadas:
Indian Queen, última gran obra, elaborada el mismo año de su muerte.
43 obras de
música incidental para teatro.
24
odas, de las cuales 4 son para Santa Cecilia y 6 para María II.
La música para el funeral de la reina
María II, que consta de 17 piezas, si bien los más comunes son entre 4 y 6 (es famosa la Marcha Fúnebre, utilizada en la película La naranja mecánica y en el videojuego "Conker's Bad Fur Day"). Esta misma música se utilizó para el funeral del propio Purcell, casi once meses después.
6 semióperas.
62 piezas (entre estudios, suites, etc.) para teclado (principalmente
clavecín y espineta).
114 piezas religiosas (incluyendo himnos y servicios).

biografias


Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (15 de mayo de 1567, en Cremona - 29 de noviembre de 1643, en Venecia) marcó la transición entre la tradición polifónica y madrigalista del siglo XVI y el nacimiento del drama lírico y de la ópera en el siglo XVII. Es la figura más importante en la transición entre la música del Renacimiento y del Barroco.
Inició sus estudios de música con Marco Antonio Ingegnieri, maestro de capilla de la Catedral de Cremona, y a los 15 años publicó sus primeras obras. Entre 1587 y 1638 publicó ocho colecciones de madrigales, en los que muestra su dominio de la técnica madrigalista. Combina las escrituras homofónica y contrapuntística. Usa libremente armonías y disonancias.
En 1599 se casó con Claudia de Cataneis y en el año 1607 se estrenó Orfeo, favola in musica, su primer drama musical, considerado la primera ópera de la historia.
Su siguiente ópera Arianna (1608), cuya música se ha perdido, excepto el famoso "Lamento", consolidó su fama.
En 1613 fue maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia, ciudad en la que compuso la mayoría de su obra sacra. Para inaugurar el primer teatro de esta ciudad, compuso más óperas.

Romanticismo

El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo es que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma nación se desarrollan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes.
Se desarrolló fundamentalmente en la primera mitad del siglo XIX, extendiéndose desde Inglaterra a Alemania hasta llegar a países como Francia, Italia, Argentina, España, México, etc. Su vertiente literaria se fragmentaría posteriormente en diversas corrientes, como el Parnasianismo, el Simbolismo, el Decadentismo o el Prerrafaelismo, reunidas en la denominación general de Posromanticismo, una derivación del cual fue el llamado Modernismo hispanoamericano. Tuvo fundamentales aportes en los campos de la literatura, el arte y la música. Posteriormente, una de las corrientes vanguardistas del siglo XX, el Surrealismo, llevó al extremo los postulados románticos de la exaltación del yo.

Medios de almacenamiento de la musica

Los materiales físicos en donde se almacenan los datos se conocen como medios de almacenamiento o soportes de almacenamiento. Ejemplos de estos medios son los discos magnéticos (disquetes, discos duros), los discos ópticos (CD, DVD), las cintas magnéticas, los discos magneto-ópticos (discos Zip, discos Jaz, SuperDisk), las tarjetas de memoria, etc.Los componentes de hardware que escriben o leen datos en los medios de almacenamiento se conocen como dispositivos o unidades de almacenamiento. Por ejemplo, una disquetera o una unidad de disco óptico, son dispositivos que realizan la lectura y/o escritura en disquetes y discos ópticos, respectivamente.El propósito de los dispositivos de almacenamiento es almacenar y recuperar la información de forma automática y eficiente. El almacenamiento se relaciona con dos procesos:Lectura de datos almacenados para luego transferirlos a la memoria de la computadora.Escritura o grabación de datos para que más tarde se puedan recuperar y utilizar.Los medios de almacenamiento han evolucionado en forma notable desde las primeras computadoras. En la actualidad existe una gran variedad tecnologías y dispositivos nuevos, pero el disco rígido sigue siendo el "almacén" principal de la información en la computadora